Lo que seguramente pocos (o nadie) esperaban era que
el 18 de septiembre de 1991 la banda no editaría un solo álbum de estudio, sino
dos obras bautizadas bajo el nombre de “Use Your Ilusion”, pero que dividieron
en dos partes (en esta entrada me centraré en “Use Your Illusion I”). Su
portada, que consistía en un recorte de la célebre pintura de Rafael Sanzio,
“La Escuela de Atenas”, fue tratada por el diseñador Mark Kostabia quien logró
sobreexponer cromáticamente la ilustración de dos maneras diferentes para
distinguir cada una de las dos partes del álbum (la primera parte de tonos
amarillos y rojos, mientras que la segunda de tonos azules).
El momento creativo en el que se encontraba la banda
era tan alto que lograron componer suficiente material para llenar dos álbumes
(hay que señalar que en demos pasadas ya podíamos escuchar bocetos de piezas
que terminarían entrando en sendos álbumes). Axl Rose deseaba que la banda
expandiera su sonido más allá de los límites del Hard-Rock, acercándose hacia
terrenos más comerciales sin por ello sacrificar su ADN sonoro. Esta decisión,
como cabía esperar, generó grandes tensiones en el seno de la banda, provocando
la salida del batería Steven Adler, quien fue reemplazado por Matt Sorum.
El resultado final fueron dos álbumes muy ambiciosos
donde podías identificar elementos de Rock callejero y crudo al más puro estilo
“Appetite For Destruction”, pero también arreglos experimentales y complejos
nunca antes vistos en una obra de los californianos (estos se harían más
patentes en el segundo volumen). Más de horas y media de música, repartidos en
dos álbumes que mantendrían en alza el legado de la banda.
A continuación os dejo un análisis detallado del segundo volumen de "Use Your Illusion".
"Civil War"
El álbum abre con una de sus canciones más
emblemáticas. "Civil War" es una poderosa crítica a la violencia y
los conflictos armados, construida sobre un arpegio acústico que evoluciona
hacia una sección más contundente y sentida que, al menos para mí, nos permite
disfrutar de una de las mejores interpretaciones de Axl Rose, quien cuestiona
todo sentido que pueda tener la guerra a través de una ejecución sentida y
dramática. Todos los honores también para el gran Slash, quien firma aquí un
destacadísimo solo impregnado de emoción y melancolía.
"14 Years"
La vibra blues y el piano se imponen en la disfrutable
“14 Years”, composición ligera con Izzy Stradlin tomando el control del
micrófono en su mayor parte para hablarnos sobre la amistad y los
desencuentros. Disfruto mucho, además, del excelente (y poco conocido) solo de
guitarra que nos entrega aquí Slash, inyectando algo más de dinamismo en una
pieza mayormente ligera.
"Yesterdays"
Las revoluciones bajan aún más en la sureña
“Yesterdays”, una pieza melódica con un gran solo de guitarra y un ritmo sólido
que podríamos considerar como uno de los más accesibles del disco. Aprovecho
aquí para reivindicar la calidad de Axl Rose como pianista, algo que no suele
ponerse tan de manifiesto y que, a fin de cuentas, es fundamental en el sonido
de aquellos Guns N’ Roses.
"Knockin' on Heaven's Door"
Probablemente nadie ha homenajeado mejor a Bob Dylan
que Guns N’ Roses con su celebérrima versión de “Knockin’ On Heaven’s Door.
Aquí los californianos apuestan por añadir un plus de energía a la versión
original, apoyándose en coros exuberantes y una notoria sección de piano y un solo
memorable de Slash. Como todos sabrán los Guns terminarían haciendo de esta
versión un clásico en sí mismo.
"Get in the Ring"
Como ya hiciera en “Don’t Damn Me”, Axl Rose arremetía
sin piedad contra los detractores de la banda en “Get The Ring” con frases como
“Y esto va para todos los idiotas de la prensa que tira mierda imprimiendo
mentiras, en vez de las cosas que sí dijimos” que suelta con rabia durante
su apoteósico intermedio y justo antes de que Slash nos entregue un solo breve
pero efectivo. En definitiva, una pieza que nos devuelve algo de dinamismo y
ciertas influencias punkarras, aunque sin por ello abandonar el tono accesible
que ha imperado hasta ahora en el LP.
"Shotgun Blues"
El ritmo ahora sí que crece notablemente para
devolvernos de un tortazo a los orígenes callejeros del grupo. “Shotgun Blues”
es abrasivo y sucio, con unas guitarras macizas y un agresivo Axl tras el
micrófono que aprovecha la ocasión para desahogarse a nivel emocional.
"Breakdown"
¿Por qué “Breakdown” es un tema que ha caído en el
olvido? Guns N’ Roses apostó por una canción que derrocha ambición por los
cuatro costados desde ese banjo inicial, hasta los arreglos orquestales que nos
transportan al Rock Progresivo de los años 70. El sabor clásico que logra
generar la banda aquí (honor a Axl tras los teclados) pocas veces más se
repetiría a lo largo de su discografía. Aprovecho también para reivindicar la
profundidad lírica de esta composición, donde se habla sin tapujos de lo difícil
que es la vida, con sus constantes subidones y caídas.
"Pretty Tied Up"
Izzy Stradlin acapara gran parte del protagonismo en
“Pretty Tied Up” un tema de lo más curioso que mezcla el Hard-Rock de toda la
vida con un toque exótico gracias al uso de un sitar eléctrico que marca el
devenir del mismo. Como en varias canciones de la primera parte de “Use Your
Illusion”, la banda se abre en canal para hablar sobre los excesos de la vida
en la carretera.
"Locomotive (Complicity)"
Con sus más de ocho minutos de extensión “Locomotive
(Complicity)” puede considerase una de las más complejas del álbum. Y es que esta
pieza se presenta como un viaje épico lleno de riffs potentes y cambios de
dinámica instrumentales que le otorgan cierta impredecibilidad. La letra explora
temas de desamor y autodestrucción, dos tópicos ya tratados a lo largo de “Use
Your Illusion”.
"So Fine"
Por primera, y última vez, en el álbum el bueno de Duff
McKagan toma el micrófono para regalarnos una lacrimógena balada con
influencias de Soul que le dedicó al eterno Johnny Thunders, uno de los mayores
referentes del Garage Rock y el Punk Rock norteamericano, quien había fallecido
ese mismo año. Si se mira con perspectiva, no es una canción extremadamente
compleja, pero contiene con todos los elementos propios de una buena balada. Es
una de esas joyitas no tan conocidas que podemos encontrar a lo largo del
álbum.
"Estranged"
Toca ponerse en pie para recibir ante nosotros una
serie de clásicos de la banda que se sucederán a partir de este momento.
Primeramente, nos toca degustar la magnánima “Estranged”, una epopeya musical de
más de nueve minutos de extensión donde la banda hace confluir una amplia
cantidad de elementos de lo más variados como la teatralidad de Axl Rose, una
presencia enorme del piano, solos de guitarra por doquier y una excelente letra
en la que Axl trató de canalizar su frustración tras divorciarse de Erin Everly
y que termina extrapolando al dolor que podemos experimentar cuando un vínculo
que mantenemos en nuestra vida termina abruptamente.
"You
Could Be Mine"
Nos mantenemos por la senda de los clásicos gracias a
ese himno del Hard-Rock más sucio llamado “You Could Be Mine”, que te engancha
desde su encabronado riff inicial y que termina grabándose a fuego en tu mente
con ese estribillo enérgico y pegadizo propio de sus primeros años como banda. Cinco
minutos y 43 segundos para la posteridad. Este hit, como muchos lectores
cinéfilos sabrán, terminaría formando parte de la banda sonora de Terminator 2:
Judgment Day.
"Don't Cry (Alternate Lyrics)"
La versión alternativa de "Don't Cry", cuya
grabación original está en la primera parte del álbum, presenta una letra
diferente, aunque mantiene la misma estructura y emotividad. Es curioso
escuchar cómo las diferentes letras ofrecen una nueva perspectiva emocional a
la misma melodía. Cabe señalar que existe una tercera versión del tema, lanzada
oficialmente solo como sencillo y que fue grabada durante las sesiones de “Appetite
for Destruction” en 1986.
"My World"
Nuestro viaje musical llega a su irremediable final
con la breve y experimental “My World”, una pieza anecdótica que incorpora
elementos de música industrial y electrónica (¿un guiño a lo que nos
encontraríamos en el irregular “Chinese Democracy”) a modo de demostrar la
voluntad de Axl de explotar nuevos terrenos sonoros. Tal vez no sea el mejor
cierre para un LP tan notable, pero ¿quién soy yo para llevarles la contraria?
CONCLUSIÓN
A diferencia de la primera entrega, “Use Your Illusion II”
se inclina hacia terrenos emotivos, arreglos más elaborados y canciones que
amplían el espectro estilístico del grupo, mostrando una faceta más
introspectiva y ambiciosa. En el aspecto lírico la banda también se orienta
aquí de manera más notoria hacia terrenos sociales y emocionales, demostrando
una vez más la versatilidad y capacidad del grupo para reinventarse. Aunque más
melódico y experimental que su contraparte, “Use Your Illusion II” complementa
perfectamente el viaje que comenzó con el primer volumen, consolidando el
legado de la banda en el rock de los años 90.
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