Metallica - Metallica (1991)

Calificación: *****

Al inicio de la última década del pasado milenio Metallica era una banda que, a niveles underground, gozaba de un reconocimiento muy importante dentro y fuera de los Estados Unidos. El mérito de ello procedía del altísimo nivel mostrado en cada uno de los álbumes lanzados hasta la fecha, y que a nivel personal siento que nunca más fueron capaces de igualar, así como de su colosal despliegue en cada concierto que llevaban a cabo. Pese a ello, la banda quería más y, conscientes de que su más reciente LP hasta aquel momento, “…And Justice For All”, había sido una apuesta arriesgado tanto en el nivel compositivo y ambicioso de las canciones, así como de una producción llena de polémica por el hecho de que en las mezclas el bajo de Jason Newsted, como la mayoría sabe, desapareció y quedó fuera del disco, algo de lo que Flemming Rasmussen, productor de la obra, se desmarcó y que pienso que terminó por costarle el trabajo. Fue por ello que el cuarteto se plantó en la oficina de todo un maestro en la producción de álbumes de éxito como Bob Rock, uno de los más reputados de las últimas décadas que acababa de salvar la carrera de los Mötley Crüe con “Dr. Feelgood” y que había trabajado como ingeniero de sonido en el “Permanent Vacation” de Aerosmith, para que estuviera tras los mandos de su próxima obra. Bob sería uno de los responsables mayores del éxito que estaba por llegar, pero, aunque esto es una opinión, también de la polémica evolución sonora de los de San Francisco en sus siguientes álbumes (aunque él lo haya negado en numerosas ocasiones). Sea como fuere, Bob fue uno más en el proceso de composición y grabación, aportando su visión a una banda hambrienta de éxitos.

 

Algo que preocupaba enormemente a los miembros de Metallica era la poca difusión radial que su música tenía, pese a la buena acogida de sus trabajos, algo que el grupo comenzaba a atribuir a su ambición compositiva que, en ocasiones, les había llevado a lanzar canciones para oídos más “exquisitos” y con una duración impropia para aparecer en las estaciones de radio. Por ello, uno de los primeros mandamientos que el cuarteto y Bob Rock establecieron es que todo ello debía cambiar y las canciones que aparecerían en el próximo LP serían más accesibles y breves, sin la densidad de su predecesor y con un estilo más directo a convencer a cualquier metalero. Por ello la banda se tomó muy en serio la grabación, tardando 10 meses en grabarlo al completo en los One On One Recording Studios de Hollywood e invirtiendo un millón de euros para hacerlo.

 

Pero no siempre las cosas fueron sencillas durante los procesos de escritura y grabación del nuevo material. Al parecer fueron muchas las discusiones entre la banda al completo y Bob Rock cuando este último trataba de proponer nuevas ideas. En palabras de Bob: “Apodé a Hetfield ‘Dr. No’… Cada vez que comenzaba a proponerle algo arriesgado, me decía ‘no’ incluso antes de que terminara de hablar. Cuando terminamos el disco, les dije a los muchachos que nunca volvería a trabajar con ellos. Ellos sentían lo mismo por mí”. Incluso es sabido que la banda había contactado con Rasmussen en caso de que prescindieran de los servicios del señor Rock, algo que no terminó siendo necesario.

 

Otro elemento a destacar de este disco es el papelón que hace James Hetfield, quien, además de firmar grandes composiciones instrumentales, mostró gran preocupación por mejorar sus registros vocales para poderlos dotar de una mayor variedad, algo que trabajó a conciencia con Bob, y también por dotar de una mayor profundidad a la lírica del grupo, algo que ya os digo yo que logró con creces.

 

Finalmente, el 12 de agosto del año 1991 veía la luz un álbum bautizado realmente como “Metallica” pero que por la oscuridad de su portada y, a modo de homenaje al “White Album” de los Beatles, terminó apodándose y conociéndose a escala mundial como el “Black Album”. Así comenzaba una nueva era para Metallica en la que su nombre impondría respeto dentro y fuera del Metal, con canciones que se convertirían en himnos reconocibles por amantes y detractores de su sonido y que, en definitiva, les terminarían de hacer inmortales. A fin de cuentas, estamos hablando de un trabajo que ha vendido 30 millones de copias en todo el mundo y que se mantuvo 580 semanas en la lista de Billboard 200. Por ellos siempre digo que antes de hablar (o rajar) de Metallica “hay que limpiarse la boca y quitarse los zapatos”.

 

Es la hora, por tanto, de detenerse a analizar cada canción del disco y, como la ocasión lo merecía, es un privilegio incalculable poder contar también con la opinión de un gran amigo como Fede Solari, a quien ya hemos podido leer por estos lares en numerosas ocasiones, que actualmente está haciendo una labor tremenda con El Cuartel del Metal y a quien considero, si me permitís, una voz autorizada para hablar de Metallica.  

1. ENTER SANDMAN

Fede: ¿Qué decir de la canción más popular de la historia del heavy metal? Y no, no estoy diciendo que sea la más virtuosa o prodigiosa. Pero vamos, seamos sinceros… ¿Cuántas miles y millones de personas se han visto expuestas al género tras la escucha de esta pieza musical? Build up memorable, riff imprescindible y estribillos dignos del olimpo. Posiblemente EL solo insignia de Kirk Hammett en su etapa Wah-met, o al menos el más reconocido.

Diego: Reconozco que me aterraba reseñar esta canción. Al fin y al cabo, ¿acaso no se ha dicho ya todo lo habido y por haber sobre este himno del Heavy Metal? Seguramente sí, pero creo que ni Fede ni este servidor desaprovecharíamos esta oportunidad para hablar de una canción que nos ha marcado con tanta fuerza.

 

¿Qué decir de “Enter Sandman”? Ese riff inicial compuesto por Hammet (sí, ese al que tan injusto se le ha tratado) está ya en el Asgard o el Olimpo de los dioses del Heavy. No hay ser humano en la tierra que no haya escuchado alguna vez esa veloz pero sutil sucesión de notas escupidas por una guitarra no demasiado distorsionada para que, un par de compases después, la tormenta estalle sobre nosotros y los golpes de la dupla Lars-Jason haga su primera aparición en el trabajo. Construida la melodía principal de la canción aparece un magnánimo James Hetfield al micrófono y nos ruge como el animal que es, alternando versos que llaman a la furia con un puente más reposado justo antes de que entre ese “EXIT LIGHT, ENTER NIGHT, TAAAAKE MY HAND…OFF TO NEVER NEVER LAND!!!” o, en otras palabras, uno de los estribillos insignes del género. Tampoco hay que olvidarse del gran solo del señor Kirk Hammett y el posterior interludio más distorsionado y místico en el que James solapa su voz con la de un niño, que es el mismísmo hijo del productor Bob Rock, en una especie de oración de la que ahora os hablaré. Tras repetir el poderoso estribillo parece que la canción termina, pero nada más alejado de la realidad, ya que este se convierte en un falso final anunciado por la reanudación del riff principal tocado un poco más grave.

 

Sobre el significado de la canción podría resumirse en el terrible mundo de las pesadillas infantiles que todos tuvimos cuando éramos unos renacuajos. No obstante, y aquí viene algo que me gusta mucho de este tema, es el hecho de que el cuarteto rescatara la figura tradicional del Sandman, procedente del folklore anglosajón/celta, y que vendría a ser un personaje ficticio que visita a las personas mientras duermen para esparcir polvos mágicos (en inglés “sand” es arena) que provocan los sueños en ellos. Un ser, por tanto, bondadoso. No obstante, si Sandman no aparece por tu casa mientras duermes, es indicador de que tendrás pesadillas. Por lo tanto era como una especie de ser utilizado como instrumento moralizante con los pequeños.

 

Y ahora nombraré al mismísimo Dave Mustaine, el que fuera guitarrista de Metallica en sus inicios y cuya accidentada salida provocó una de las mayores rivalidades en la historia del Metal entre metaleros que discuten sobre la superioridad entre ellos y Megadeth. Y es que, además de insinuar que esta canción tomó demasiadas cosas “prestadas” de una canción llamada “Tapping Into The Emotional Void” del grupo Excel (hay similitudes, la verdad), el “colorado” reveló en su interesantísima autobiografía que el mencionado rezo que prometí rescatar, fue una idea original suya de cuando estaba en Metallica y que, de hecho, figura en la canción “Go To Hell” de 1990, cambiando solo el inicio de una frase. No lanzo esto como una acusación, ni como el inicio de un debate. Es un mero dato que me pareció adecuado rescatar. 

2. SAD BUT TRUE

Fede: La cantidad de clásicos que hacen a este disco son inconmensurables. Una de las pocas canciones que encuentra a Metallica experimentado con afinación drop D, algo que honestamente me gustaría ver/oír un poco más a menudo. La cuestión es que este tema se trata de uno de los cortes más pesados de la historia de la banda, con cortes de batería distintivos, leads bien lúgubres y vocales de James bien al frente. Otro himno del metal.

Diego: Como ya os avisé, y el que avisa no es traidor, como estamos hablando de un disco imprescindible para entender el Metal, lo normal es que estemos ante una sucesión de clásicos. Eso ocurre a continuación. Tras “Enter Sandman”, es el turno de unos inconfundibles riffs pausados que anuncian la llegada de “Sad But True”, otro hit absoluto del conjunto cuyo ritmo más árido, su estribillo coreable a los cuatro vientos y, en general, el papelón tras el micrófono de James se han convertido en reclamo de los fans en todas las giras del grupo. La instrumentación es pesada, destruyendo cual apisonadora todo lo que se pone a su paso, con un Lars especialmente presente tras los tambores, mientras Newsted serpentea con su bajo sobre las líneas de guitarra tan reconocibles en este grupo.

 

La letra habla claramente sobre manipulación y adicciones, que podemos llevarlas al poder de la televisión para adormecer a las masas, o las drogas por ejemplo, aunque realmente tenga su inspiración en una película que, particularmente, me encanta titulada “Magic” y que tiene como protagonista al mismísimo Anthony Hopkins en uno de sus primeros papeles (una de las primeras películas basadas en la temática del “Muñeco Diabólico”), quien hace de un ventrílocuo cuya personalidad es alterada por su propio muñeco, el temible Fats. Si lo pensamos bien, tiene mucho sentido este argumento con lo que dice la letra.

  

“Soy tu sueño, mente descarriada

Soy tus ojos mientras estas lejos

Soy tu dolor mientras pagas

Sabes que es triste pero cierto”

3. HOLIER THAN THOU

Fede: El álbum negro cuenta con la particularidad de tener algunas de las canciones más reconocidas de Metallica, como así también algunas de las “olvidadas”, si se puede tildar de olvidada a una composición de los jinetes. “Holier Than Thou” es uno de esos tantos tracks que construyen mil ideas a través de un sencillo y mutante riff. Tema y tempo bien thrashers, después no vengan con que el grupo había dejado todo eso de lado…

Diego: : Uno de los mayores acercamientos de Metallica a su pasado más thrasher se producen, sin duda, en “Holier Than Thou”, un tema donde estos gigantes nos traen de vuelta la mala hostia de temas como “Damage Inc.” o la mítica “Ride The Lightning”. La batería de Lars marca un ritmo seco y veloz sobre el que las guitarras están sencillamente pletóricas que empastan a las mil maravillas con Newsted. El estribillo es uno de mis predilectos de toda la obra. Y es que Hetfield tenía ganas de desmadrarse un rato y embiste con una voz rota y algunos agudos marca de la casa realmente épicos en el mencionado “chorus”.  La letra habla ahora de ese mundillo de los chismes y todo tipo de difamaciones que encontramos en una sociedad con la fea costumbre de cargar siempre contra la casa del vecino sin revisar realmente cómo se encuentra la suya. Como curiosidad hay que mencionar el hecho de que todos los miembros, menos Lars, querían que esta saliera como primer single del disco, algo que este último no compartía ya que consideraba el “Enter Sandman” como un éxito seguro…¡y Lars acertó!

“No se trata de quién eres, es a quién conoces

Otras vidas son la base de la tuya.

Quema tus puentes, constrúyelos de nuevo con riqueza”

4. THE UNFORGIVEN

Fede: Primera de tres partes de una trilogía maravillosa. Por supuesto que esta, por mérito, existencia e impacto, se lleva la mayor cantidad de laureles. ¿Power ballad? Puede ser, pero si escuchan con atención (sobre todo en los versos), notarán un trabajo fantástico de detalles de guitarra, riffs secundarios y más minucias que hacen a esta pieza la delicia que es. Solo acústico, solo eléctrico… Magia pura.

Diego: Como buen discazo de Metallica no podía faltar una balada de las que lo hicieron grandes (realmente este trabajo incluiría dos…todos sabemos cuál es la otra jejeje). Si bien es cierto que cualquiera de las dos “Thrash Ballads” (probablemente me he inventado el término) del “Black Album” me resultan algo inferiores a las piezas de ese talante que habían lanzado previamente (es que estamos hablando de “Fade To Black”, “Welcome Home (Sanitarium)” y “One”), estamos ante caviar musical. Esta pieza devuelve la limpieza a las guitarras del grupo, con unos armónicos preciosos que aportan solemnidad a la canción para que, una vez más, podamos reivindicar a James Hetfield como un vocalista de gran nivel. El por aquellos tiempos melenudo nos regala grandes momentos tras el micrófono, así como el bueno de Hammett está pletórico tras el solo.

 

La letra es otro de los puntos fuertes de esta canción. Y es que aquí encontramos a los Metallica más humanos hablando de acoso escolar, de dificultades de adaptación a una sociedad corrompida en el plano de valores desde la perspectiva de un hombre que siente la llamada de evitar ser como los demás, pero tiene miedo de no encajar y ser una decepción para su entorno.  Esto le lleva a vivir resignado a ser como el resto y no poder alcanzar sus sueños.

 

¡Por cierto! ¿Soy el único que encuentra referencias descaradas en el inicio de la canción a “The Ecstasy Of Gold” que sonaba como introducción en sus conciertos?

5. WHEREVER I MAY ROAM

Fede: El riff master, James Hetfield, se proyecta absolutamente intacto en un track como “Wherever I May Roam”. Los ambientes oscuros se contrastan maravillosamente con los momentos más intensos, armonizando guitarras rítmicas con Kirk en diversos tramos musicales. Uno de los temas más eclécticos del álbum, dentro de su misma estructura.

Diego: Siempre he pensado que esta canción podría competir con las más populares para convertirse en la mejor del “Black Album”. Cierto es que, al final, la historia ha sido más o menos justa y se le ha otorgado la condición de clásico. Y es que ya desde el inicio de ese enigmático sitar tocado por Kirk sabes que la canción va a romper tus esquemas. El riff corrosivo que aparece poco después, y que terminará tomando velocidad, te recuerda que estás tratando con Metallica (hay detalles que me recuerdan a “The Call of Ktulu”), pero realmente se trata de un cuarteto hambriento por no ceñirse a uno u otro esquema (eso que tantas críticas les trajo después). Newsted suena épico con el bajo (por cierto, esta fue la única vez que usó uno con 12 cuerdas), mientras que Lars también nos regala uno de sus habituales acompañamientos cumplidores tras la batería. Hetfield ruge como en pocas piezas del trabajo, sacando su arsenal de recursos vocales y llevándolos al máximo nivel de expresión y potencia.

 

La letra se mueve por el canto a la libertad de caminos que ofrece la vida y la valentía de aquellos que optan por ser nómadas y vivir por todos lados, algo que Metallica, como grupo, vivió en primera persona. Algunos dicen que el cuarteto optó por escribir algo así ya que durante la grabación del trabajo todos sus miembros menos James se divorciaron de sus esposas (sentían que su hogar estaba en numerosos lugares y no solo en uno).

6. DON'T TREAD ON ME

Fede: Podríamos llegar a estar ante la canción más “groovy” de esta placa. A su vez, podemos apreciar como realmente la voz de Hetfield comenzaba a, mesuradamente, despojarse de aquella rabia más atonal de los 80s y empezando a centrarse un poco más en las armonías y en las texturas. Gran solo por parte de Hammett y sólidos rellenos a cargo de Ulrich. Ya habrá momento para halagar a Newsted.

Diego: Una batería marcial abre “Don’t Tread On Me”, la canción más patriótica que ha escrito Metallica (luego os lo explico). Me gusta mucho el riff principal de la canción, con un tono casi propio del Sludge-Groove, así como la desafiante interpretación vocal de James, que fuerza en algunos momentos su garganta para alcanzar notas realmente altas. La canción es pesada, al estilo “Sad But True” pero con personalidad propia. Un tema ideal para venirte arriba y dejarte la voz con su estribillo.

Además de todo el apartado musical, pienso que este corte tiene un par de curiosidades en su trasfondo de lo más interesantes. “Don’t Tread On Me” eran las palabras que se podían leer en la Bandera Gadsden usada durante la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos, en la cual, para su sorpresa querido lector, aparece la serpiente de la portada del disco. Y es que esta letra habla sobre dicho conflicto bélico y, de alguna manera, Metallica termina rompiendo un poco con la imagen “antiyanqui” que dejaban entrever en “…And Justice For All” para, de alguna manera, alabar las partes buenas de los Estados Unidos sin por ello sentir asco por la guerra. De hecho, no todo el mundo lo entendió así y fueron muchas las críticas que el grupo recibió tras el lanzamiento, a lo cual James Hetfield respondió de la siguiente forma en una ocasión:

 

“Este es el otro lado de ello, pues Estados Unidos es un lugar jodidamente bueno, definitivamente pienso eso. Luego de recorrer mucho, descubrir lo que te gusta de ciertos lugares y descubrir por qué vives en Estados Unidos, incluso con toda esa maldita mierda, ves por qué sigue siendo el lugar más divertido para pasar el rato.

 

Me encanta la canción "Don't tread on me", pero ésta impactó a mucha gente, ya que todo el mundo pensó que era una canción "pro-guerra" cuando nosotros éramos "anti-guerra", y todo lo que estamos haciendo era escribir canciones. No tenemos una posición política en ningún lado. "Don't Tread on Me" era sólo una de esas canciones tipo "No nos jodas" y, obviamente, haciendo referencia a la bandera, a la serpiente y a lo que significaban, y que terminaron apareciendo en el arte del 'Black Album'".

 

Por tanto podríamos decir que este es un canto “semipatriótico” de Metallica. De hecho, creo que todo lo dicho lo complementó Lars con mucha solvencia en otra entrevista de la época:

 

“Después del cinismo y los ataques lanzados al sistema estadounidense en “Master of Puppets” y “…And Justice for All”, discos que irónicamente por su éxito nos llevó a viajar y conocer el mundo, permitió a James escribir ahora canciones en las cuales se resalte el sentido patrio, porque no hay lugar como tu hogar. ¡Sabes, sin importar que tan corrupto sea el sistema, o qué tantas porquerías pasan de las que no sabemos, para nosotros Estados Unidos sigue siendo un lugar agradable, cómodo y emocionante del mundo.Así que creo que después de hablar mal del país por tanto tiempo, James pensó que escribiría algo desde otra óptica. Ya sabes, ningún lugar es completamente malo, ni totalmente bueno”.

 

“Que así sea

No amenaces más

Asegurar la paz es prepararse para la guerra

Que así sea

Ajustar cuentas

Tócame de nuevo por las palabras que escucharás por siempre ...

No me pises”

7. THROUGH THE NEVER

Fede: ¿Querían más Thrash? No será quizás el más pesado del disco, pero es el más fiel a lo que podría haber sido una época “Master of Puppets”, por ejemplo. Riff dominante con downpicking, bien veloz y agresivo. Además dio nombre a la película de Metallica del año 2013. ¿Algo más que quieran pedirle a este temazo?

Diego: Efectivamente, esta canción dio nombre a la famosa película que el grupo lanzó en 2013. Y no es de extrañar ya que nos encontramos con una de las canciones más rápidas y feroces que Metallica ha publicado desde 1991. Esta vez todo nace de un riff simple pero perfectamente ejecutado por James al que se unen pronto el resto de sus compañeros. La canción avanza con fuerza hasta llegar a un estribillo sencillo, pero que gana con las pausas comandadas por la voz y la batería. Otro riff que me encanta es el que emerge tras el solo de Kirk, así como las voces dobladas de Hetfield diciendo el tema título de forma entrecortada. Interesante reflexión hace el grupo en su letra, hablando sobre la constante fábrica de especulaciones que la humanidad ha realizado sobre la existencia o no de vida en el espacio exterior.

8. NOTHING ELSE MATTERS

Fede:  Es sabido que un gran porcentaje de personas decide omitir este tema al escuchar el Black Album completo. Tras escuchar este single durante toda una vida, uno no se ve expuesto a tantos cambios o descubrimientos tras oírla en diversas oportunidades. ¿Pero en vivo? Te hace llorar, y, en el caso de que tú, lector, no hayas visto a Metallica en vivo, explorarás sensaciones nunca antes sentidas con este corte en directo. Simplemente hermoso.

Diego: Como os decía al hablar de “Enter Sandman”, creo que todo está dicho sobre “Nothing Else Matters”, una de las canciones que siempre vendrán  a tu cabeza cuando alguien te pregunte por las mejores baladas de la historia. Aunque personalmente, como ya mencioné en “The Unforgiven”, me quedo con otras “Power Ballads” lanzadas previamente por el grupo, esta pieza lo tiene todo: empezando por el archiconocido arpegio y posterior punteo de James (¡realmente Kirk no grabo nada de esta pieza!), para que pronto se una Hetfield a la guitarra y la voz, regalándonos una de sus interpretaciones más conmovedoras, además de uno de sus mejores solos de guitarra.

Hetfield, por tanto, es el genio tras esta pieza. El mencionado arpegio nació durante una llamada telefónica con su novia, en la que la mano que tenía libre empezó a hacer sonar la guitarra de aquella manera, así como el título procede de las últimas palabras que dijo su abuelo antes de fallecer y en si el mensaje que desarrolla este himno rockero es la importancia de la confianza con tus seres queridos, quienes te salvan de la incomprensión absoluta.

Sea como fuere, estamos hablando de la mismísima “NOTHING ELSE MATTERS”, canción que conoce hasta el mayor detractor del género, por lo que hay que quitarse el sombrero por su grandeza y trascendencia.

9. OF WOLF AND MAN

Fede: El tercer y más infravalorado tramo del trabajo homónimo de los californianos. Que intro tan maravillosa la de “Of Wolf and Man”, así como también su desarrollo. El trabajo de riffs que acompañan las intensas voces de Hetfield es fantástico. El trabajo de Lars, por más que muchos hoy lo tilden de flojo y poco eficiente tras los parches, sabía cómo crear ganchos y estructuras inteligentes, y el resultado está en este y tantos otros temas.

Diego: Un riff machacante abre el siguiente número. Reconozco que en las primeras escuchas que le di en su momento al “Black Album” (¡ha llovido ya desde aquello!)  “Of Wolf And Man” no me terminaba de convencer tanto, algo que atribuyo a su linealidad y la peculiaridad de su puente-estribillo, con ese cambio de registros y coros tan diversos que posee, pero con el tiempo me terminó pareciendo imprescindible para poder disfrutar al 100% del disco. Corte, como he dicho, lineal, sin cambios ni grandes alteraciones que podía haber encajado tal vez en el posterior, y polémico, “Load”, del cual rescataría el solo y esa letra en la que nos hablan sobre la llegada de un hombre lobo a un poblado (de hecho se escuchan aullidos justo después del solo).

 

“Siento un cambio

De regreso a un día que fue mejor

Cambio de forma, el cabello se eriza en la parte posterior de mi cuello

Cambio de forma, en lo salvaje está la preservación del mundo

Así que busca al lobo que hay en ti mismo”

10. THE GOD THAT FAILED

Fede: Jason Newsted, a diferencia del ...And Justice for All, tuvo algún que otro momento de protagonismo en este trabajo. La inconfundible línea de bajo que inicia “The God that Failed” se convierte en un tema pesado, denso y potente. Las distintas cadencias por parte de la batería hacen del track un pequeño viajecillo por uno de los costados más ominosos del LP.

Diego: Una de mis letras preferidas del grupo por el trasfondo que posee. James Hetfield había perdido a su madre por un agresivo cáncer cuyo tratamiento ella había rechazado por pertenecer a una secta cristiana, aludiendo a que Dios y el hecho de rezar la curarían. De ahí que el título se traduzca como “El Dios que Falló” y que abarque ese extremismo de fe que ciega los ojos de la gente y que los convierte en negacionistas del poder tan grande que posee la ciencia.

Musicalmente hablando abre el tema un omnipresente bajo de Jason Newsted, ese tremebundo músico al que Metallica maltrató y dejo ir, quien se reivindica y demuestra al bocazas de Lars que sus líneas tenían que haber sonado, como mínimo,  igual de altas que sus compis en “…And Justice For All”. Las guitarras suenan malintencionadas, con un ritmo denso como en “Sad But True”, mientras  James se luce nuevamente con el micrófono.  

11. MY FRIEND OF MISERY 

Fede: Justamente es “My Friend of Misery” la composición que se encarga de potenciar esa ominosidad llegando al final del LP. Que corte más oscuro y macabro. Nuevamente el bajo de Jason abre el fuego, pero esta vez con algo más de lamento haciendo a su sonido. Por momentos, podría decir que esta se trata de la mejor canción del disco. Certeramente es la más infravalorado, tomando varias influencias del sonido alternativo que estaba comenzando a reinar en la época, pero sin perder la vertiente riffera y melódica, sobre todo en los solos.

Diego: Una vez más Jason Newsted abre fuego con el bajo. Esta vez lo hace con una línea lenta y elegante a la que se van uniendo el resto de miembros. Originalmente parece que Newsted quería que fuera un corte instrumental, pero Bob Rock insistió en que eso no llamaría la atención de todos los nuevos seguidores de Metallica, por lo que terminaron incluyendo una letra para una composición tocada durante todas las sesiones sin la misma. Sin embago, hay que reconocer que el texto escrito por Hetfield es de calidad y trata sobre el pesimismo que abunda en una sociedad cargada por malas noticias. Pese a todo, para mí el amo y señor de esta canción es el maltratado Newsted, a quien le otorgaron la mitad de los créditos de esta pieza y que cuaja una actuación monumental.

12. THE STRUGGLE WITHIN

Fede: Siempre me resultó curiosa la elección de esta pieza como closer. La intro es tan épica que hasta podría dar la bienvenida al álbum. De todos modos, se torna en otra de las piezas más al hueso del trabajo. Estructuras sumamente lineales, pero no por ello menos efectivas. Hetfield escupe líneas a diestra y siniestra, los cambios de ritmo son esenciales para el encaje de cada sección… Un track algo cliché, pero bien eficaz, para colocar el broche en una creación magnánima.

Diego: Como buen disco de Metallica hasta aquel momento, no podía faltar un tema veloz para echar el cierre. “The Struggle Within’” abre engañosa, con un ritmo constante y que martillea nuestros oídos, pero que mutara rápidamente en riffs asesinos, un solo técnico y con mucho wah-wah (gracias Kirk)  y James Hetfield nos dará una última lección de rabia tras el micrófono. Es curioso cómo tras cada estribillo da la sensación de que la pieza vuelve a empezar con ese falso final, o pausa, que añaden. Líricamente el grupo maldice a la gente egocéntrica.

CONCLUSIONES

Fede: Por más de que el mundo entero coincide en que los cuatro primeros discos de Metallica son absolutamente intocables, el Black Album siempre me pareció una absoluta maravilla. A pesar de ser el trabajo más vendido de la banda, y uno de los más exitosos de la historia del rock, pienso que la gran mayoría de las canciones están infravaloradas u opacadas por hits clásicos de los ochentas. Creo que no hay mejor excusa que un trigésimo aniversario para revisitar semejante placa titánica y reflexionar sobre por qué este álbum tuvo la explosión que tuvo. MA RA VI LLO SO.

Diego: Aunque a nivel personal el “Black Album” nunca ha sido, ni será mi disco preferido mi disco preferido de Metallica ya que los cuatro trabajos que habían lanzado previamente ocupan un lugar muy especial en mi corazón (¡no hablamos de discos precisamente desconocidos!), sin duda este es historia viva del Metal y, por ende, una obra maestra. Metallica empezaba a no gustar a todo el mundo (ya aquí evolucionaban un poco hacia nuevas fórmulas), pero esa bifurcación entre fans acérrimos del grupo y “haters” estaba realmente en su génesis, ya que pronto vendrían los “Load, “Reload”, cambios de peinado y tantas cosas que no todo el mundo supo respetar/aceptar. Seguramente el “álbum negro” fue el último trabajo que concentró un mayor número de críticas positivas hacia el cuarteto de San Francisco y que, ya de paso,  los confirmó como inmortales.