John Lennon - John Lennon/Plastic Ono Band (1970)

Calificación:

El mundo del Rock dejó un enorme vacío en Abril de 1970 tras la separación de los Beatles; Un acontecimiento que causó gran revuelo en buena parte del mundo. El primer álbum en solitario de McCartney contenía una auto entrevista en la que se le preguntaba si su ruptura con los Beatles era permanente o temporal, a lo que respondió: “Diferencias personales, diferencias de negocios, diferencias musicales, pero sobretodo porque paso mejores momentos con mi familia. ¿Temporal o permanente? Realmente no lo sé”. No fue exactamente que anunciara en la entrevista la separación, pero la prensa lo interpretó de esa manera, y al día siguiente apareció en los titulares británicos: “Paul Quits The Beatles” (Paul rompe los Beatles), así como en el resto del mundo.  Era el fin, de todos modos ya era algo que se olía desde hacía tiempo por aquel entonces. Tiempo atrás, en Septiembre de 1969, Lennon había manifestado su deseo de abandonar el grupo. Como bien dijo Lennon en God, “The dream is over” del primer disco en solitario de Lennon, que a continuación me dispongo a reseñar. 

Tres Beatles ya habían publicado sus respectivos álbumes en solitario ese mismo año: McCartney con su álbum homónimo en Abril, Ringo el Sentimental Journey en Marzo y otro de versiones Country llamado Beacoups of Blue en Septiembre, y George Harrison su flamante All Thing Must Pass en Noviembre. Era solo cuestión de tiempo de que Lennon también publicase algún disco en solitario con composiciones más serias digamos, ya que anteriormente en colaboración con Yoko ono llegó a editar tres discos, pero de carácter más experimental y vanguardista. El esperado álbum salió al mercado en Diciembre del mismo año; muchos estaban expectantes por lo que les podía aguardar. Sin embargo, aunque por suerte este disco se alejaba bastante de los experimentales es un álbum muy personal  y crudo que puede requerir varias escuchas para poder apreciarlo como se merece.  Antes de la grabación del disco, tanto Lennon como Ono se sometieron  a una terapia primal con el doctor Arthur Janoz durante cuatro meses en California para lograr desprenderse de viejos traumas de la infancia. Esto acaba por verse reflejado en varias de las composiciones del álbum. La producción es sencilla: las canciones están desprovistas de  arreglos innecesarios siguiendo los deseos de Lennon, y así poder ajustarse mejor a los textos que las acompañan. El productor fue ni más ni menos que Phil Spector, quien sepa algo de este peculiar personaje le sorprenderá que fuese el productor. Acostumbraba a meter su famoso “muro de sonido” dando la impresión de que  las canciones estuvieran abarrotadas de instrumentos. Aunque según Yoko Ono entró como productor más tarde, siendo Lennon y ella los encargados de producir la mayoría de las pistas del álbum. 

Para la grabación, Lennon formó un power trio provisional reclutando en la batería a Ringo Starr, su antiguo compañero en los Beatles, y al bajo a Klaus voorman, viejo amigo de los tiempos de Hamburgo. El título del álbum, Plastic Ono Band, se refiere a la banda conceptual de Lennon que variaban de miembros en cualquier momento,  según el concierto o las sesiones de grabación de algún disco. En la portada, vemos a Lennon reposando sobre el regazo de Yoko en un bosque una mañana cálida y tranquila.

En fin, vayamos a lo fundamental:

Mother:  Las campanadas del inicio nos avisa de que no estamos ante un disco cualquiera. La letra es totalmente autobiográfica: Lennon rememora un viejo trauma infantil sobre lo terrible que fue no tener unos padres verdaderos en su infancia, y ser criado de forma distinta a los demás niños por su tía Mimi, algo que sin duda  acabó reflejado en su personalidad. En la tercera estrofa canta: “ Niños, no hagáis lo que he hecho / no sabía andar e intenté correr”, quizás refiriéndose a que no quisiera desearle esa sensación de abandono que tuvo  ni a su peor enemigo. Los arreglos de piano, bajo y batería son sencillos, al igual que los otros temas del álbum. Seguramente su objetivo con esto era poder evocar mejor esos sentimientos y pensamientos sobre lo que le rodeaba.

Hold On: Unos sencillos acordes de guitarras adornados con el efecto del tremolo nos da la bienvenida  a esta curiosa composición de apenas 1:52 minutos de duración. En la letra, Lennon se da ánimos a sí mismo y a Yoko a seguir adelante pese a todas las dificultades que se les pueda presentar, y a lograr resistir pase lo que pase. Casi a la mitad de la canción Lennon hace una pequeña broma diciendo “cookie”, refiriéndose al monstruo de las galletas de barrio sésamo. Musicalmente la canción es  tranquila y simple dominada por el tremolo, pero muy eficaz, adoro temas así.

I Found Out: Una de las más desgarradoras composiciones en toda la carrera de Lennon. Al ritmo de unos acordes de guitarra furiosos y distorsionados, Lennon ataca sin miramientos a McCartney, al cristianismo, a los “freaks” (Lennon seguramente se refiere a esos hippies que nunca le dejaban en paz, y que le veían como una especie de profeta, según afirmó en una entrevista),  a Hare Krishna (Organización religiosa con la que simpatizaba George Harrison; es probable que no le hiciera mucha gracia que la nombrase), y en cierto modo también a las drogas. Originalmente cuando se lanzó en la época aparecía en la letra la palabra “cock” (órgano sexual masculino), EMI la censuró ante un indignado Lennon. Como veis, Lennon plasmó en este tema toda esa ira contenida. La etiquetaría como un tema prototipo del Punk al tener elementos de dicho estilo, de no se claro está por una mayor distorsión en la guitarra, y que esté más en la línea del blues, pero ni falta que le hace.

Working Class Hero:  Dos o tres acordes rasgueados con ecos del viejo Blues de los años 30 le bastó a Lennon  para componer esta obra maestra acústica. Según parece la influencia de Dylan aún no se había disipado del todo en él. La letra habla de cómo al poco tiempo de venir al mundo nos vemos obligados a afrontar la vida de un modo u otro (La presión de prepararnos para encontrar un trabajo digno y la manipulación de los medios de comunicación que muchas veces ejercen sobre nosotros). El origen del título y la temática proviene de una entrevista donde Lennon aseguró que quería componer un himno para los obreros, es decir la clase media, y vaya que si lo consiguió.

Isolation: Otra gran joya de este Plastic Ono Band. Es genial esa atmosfera de desasosiego que consigue Lennon con un par de notas al piano junto con bajo y batería acompañando, y  perfectamente acopladas a la letra. Habla del daño que puede hacernos la soledad, y de como el propio Lennon y Yoko se veían “solos intentando cambiar el mundo” (Seguramente refiriéndose a aquellas encamadas por la paz de 1969 en Ámsterdam y Montreal, que no eran vistas con muy buenos ojos por todo el mundo).

Remember: Otra canción del álbum muy influenciada por las sesiones de la terapia primal en California. Lennon vuelve a abordar esos viejos traumas de su infancia como el abandono de sus padres, y otros malos recuerdos sobre lo que le rodeaba.  En la letra hace mención al día 5 de Noviembre,  que se refiere a un día conmemorativo en Inglaterra del descubrimiento del conspirador Fay Fawkes  que quiso atentar contra el parlamento inglés en el siglo XVII (No es casualidad que la canción termine de repente con una explosión).  En lo musical, el tema es dominado por unas notas repetitivas y rápidas al piano tocadas por Lennon,  y a Ringo y a Klaus siguiéndole muy eficazmente.

Love: Una oda al amor, seguramente dedicada a Yoko Ono y dando muestras Lennon con este tema que al fin había encontrado el amor verdadero. Aquí si sabemos que Phil Spector coprodujo al tema, ya que es él quien toca esas melancólicas notas al piano con Lennon acompañando a la guitarra acústica.  Se lanzó como single póstumo tras la muerte de Lennon a manos de un psicópata mal nacido dos años más tarde.

Well Well Well: Tras esa relajante pieza acústica Lennon inesperadamente te obsequia con esta cañera y estridente canción (Es de las más cañeras que puede haber compuesto junto a Revolution y I Want You (She’s So Heavy), de su etapa Beatle). Al igual que en Mother, en la mitad de la canción se pone a gritar como un loco pero de forma más exagerada (Pelos de punta la primera vez que lo escuché), dando muestras una vez más de la influencia de esas sesiones de la teoría primal en California. La letra habla de un día en la vida de John llevando a Yoko a cenar, y como poco después la lleva a un gran campo y empiezan a hablar de temas como la liberación de la mujer.

Look At Me: Esta otra gran canción acústica de amor data de los días de la estancia de los Beatles en Rishikesh (India). Originalmente iba a incluirse en el mítico álbum blanco, pero se desechó debido a su enorme parecido en el arpegio con la maravillosa Julia.

God: Esta última gran joya del disco viene a confirmar por un lado que aquel papel que desempeñó Lennon en su antiguo grupo, y la presión de ser un Beatle al fin habían terminado (The Dream is over), y por el otro su increencia en ideologías y algunos de sus ídolos, incluido los propios Beatles. Remata con cantar que solo cree en sí mismo y en Yoko, y dispuesto a dejar atrás aquel pasado y comenzar una nueva etapa juntos. Según Lennon, fue la canción  que más se trabajó del álbum. Comenzó con aquello de “Dios es un concepto por el cual medimos nuestro dolor”,  y poco a poco la melodía fue surgiendo. Billy Preston, Fantástico pianista principalmente de música Soul pone su sello característico Gospel en God. Esplendido músico no lo suficientemente reconocido, y habitual colaborador en los últimos días como grupo de los Beatles (Concretamente en las sesiones de Let It Be, y en el famoso concierto en la azotea), al igual que en algunos de los primeros discos en solitario de sus miembros.

My Mummy’s Dead: Parece ser una vieja grabación acústica de Lennon antes incluso de que los Beatles fuesen famosos (Al menos eso pensé yo), pero no es así desgraciadamente (Una demo que Lennon grabó en Bel Air, antes de las sesiones de grabación, y que recupero para el disco pero sin retoque alguno). Apenas llega a los 50 segundos de duración, pero más que suficientes para lograr comprender el enorme daño psicológico que pudo hacer en Lennon la triste muerte de su madre Julia en 1958, ahora que la relación madre - hijo entre ambos empezaba a equilibrarse. La canción está Influenciada por el Haiku Japonés que Yoko descubrió y explicó a John, el cual aplica en My Mummy’s Dead. A su vez está influenciada por las sesiones de la teoría primal, y me atrevo a decir que de las influenciadas es la que mejor captura ese dolor contenido.

Pese a que puede ser un disco difícil de digerir en una primera escucha, no tuvo problemas en ascender a los primeros puestos en las listas de éxitos británicas, y en las listas de Billboard. Como ya había comentado en la primera parte, los Beatles, pese a su separación, aún seguían siendo un fenómeno que dejó una huella imborrable en la música popular. La expectación que lograban desatar antes de salir cada disco suyo era algo sin precedentes y nunca visto, por lo que tanto el público como la crítica esperaban grandes cosas también de sus miembros en solitario. Obra maestra este debut que con cada escucha nos vuelve a sumergir en el subconsciente de Lennon.

Reseña escrita por: David